Discos de Jazz
Discos

Chocs and Chops: los discos de jazz de octubre (2022)

Qué más maravilloso ha sido este pasado octubre para los lanzamientos de jazz. Con títulos como lo nuevo de «The Bad Plus», «Snarky Puppy» o Alina Bzhezhinska hemos pasado los últimos 30 días cargados de energía y bailando casi de forma frenética. Pero ojo porque hay para todos: maravillosas las propuestas que nos hacen músicos tan consagrados como Marshall Gilkes o Gonzalo del Val y toda una sorpresa encontrarnos con esos espectrales fantasmas de Michael Wollny o el viaje a la antigua sumeria con la pianista Connie Han. Calidad de la buena y una vez más, mucha tela que cortar en este año extraordinario.

Puntuación: 4.5 de 5.

The Bad Plus – The Bad Plus

Y The Bad Plus se convirtió en un cuarteto. Tras la salida de Orrin Evans hace casi un año, la banda fundada por Reid Anderson y Dave King no solo ha crecido con la incorporación de Chris Speed y Ben Monder, sino que además vive un auténtico reboot en lo que sin duda es su álbum más «cañero» gracias a la energía casi rockera de una guitarra eléctrica, con la que Monder invita al grupo a explorar direcciones nuevas…en las que ya no vamos a encontrar ni piano ni teclados.

Los cambios son tantos y de tanta profundidad que estamos seguros que a algunos aficionados les costará reconocer este álbum como «un disco de The Bad Plus» y, en nuestra opinión, eso es bueno. Porque lejos de agotar una fórmula de la que después de casi 20 años ya conocíamos casi todos los ingredientes, encontramos una banda revitalizada.

Todos los temas han sido compuestos por King y Anderson y aunque como decimos el sonido cambia, lo que permanece es esa voluntad de seguir en el jazz de vanguardia, entroncando con sonoridades contemporáneas y diferentes, sin perder la accesibilidad que ha caracterizado a uno de nuestros grupos de cabecera.

Edition Records: Reid Anderson (bajo), Dave King (batería), Chris Speed (saxo), Ben Monder (guitarra)

Puntuación: 4 de 5.

Snarky Puppy – Empire Central

Snarky Puppy no solo es uno de los colectivos musicales más longevos en el mundo del jazz, sino que han conseguido mantener una identidad que se reconoce al instante en una banda por la que han pasado (y siguen haciéndolo) decenas de artistas.

Su nuevo trabajo, grabado en estudio pero con público en directo, es toda una declaración de amor a Texas, el estado de origen de muchos de los miembros del grupo y nexo de unión para casi todos ellos. El disco ofrece además la última actuación grabada con el pionero del funk de los 80 y padrino musical de Snarky Puppy, Bernard Wright, quien falleció trágicamente a los 58 años poco después de las sesiones de grabación de este disco.

Ecléctico como casi todos los trabajos de Snarky Puppy, en «Empire Central» nos encontramos que 16 temas que nos llevan a recorrer todo tipo de sonoridades: jazz por supuesto, pero también blues, rock, funk, gospel, soul o música electrónica.

Con el ya veterano bajista Michael League al frente de la banda, nos encontramos en este sentido con toda una puesta en escena formada por tres guitarristas, cuatro teclistas, dos vientos de metal, dos vientos de madera, un violinista, varios percusionistas y bateristas. Todo un espectáculo que volverá a hacer bailar a los fans del grupo.

Michael League (bajo), Bill Laurence (teclados), Bobby Sparks (teclados), Justin Stanton (teclados, trompeta), Shaun Martin (teclados), Bob Lanzetti (guitarra), Mark Lettieri (guitarra), Chris McQueen (guitarra), Mike Maher (trompeta), Jay Jennings (trompeta), Chris Bullock (saxo, flauta, clarinete), Bob Reynolds (saxo), Zach Brock (violín), Nate Werth (percusión), Marcelo Woloski (percusión), Keita Ogawa (percusión), Jamison Ross (batería), Larnell Lewis (batería), Jason Thomas (batería)

Puntuación: 5 de 5.

Marshall Gilkes – Cyclic Journey

Un equipo de auténtico. Es lo que ha conseguido reunir el aclamado trombonista Marshall Gilkes en un álbum en el que fusiona a algunos de los mejores músicos de jazz del momento con grandes nombres de la clásica.

«Cyclic Journey» se presenta como una suite de nueve movimientos que ilustra la belleza y las influencias que Gilkes encuentra en su vida familiar y como estas se trasladan a la música de vanguardia. Para ello se ha rodeado del pianista Aaron Parks, la bajista Linda May Han Oh y el batería Johnathan Blake que forman un equipo de ensueño en la parte rítmica y que proyectan el swing que el disco precisa en cada momento y que forman el núcleo duro de esta pequeña-gran big band que se proyecta en vientos.

A estos se les suma un octeto de metales que reúne a un grupo de pesos pesados de la música clásica y algunos de los compañeros de escena de Gilkes. Se incluye aquí a los trompetistas Brandon Ridenour, de la fama de Canadian Brass, Ethan Bensdorf, de la Filarmónica de Nueva York, y Tony Kadleck, que lidera el grupo de músicos principales de la Gran Manzana; el maravilloso trompa Adam Unsworth, profesor de trompa en la Universidad de Michigan y antiguo miembro de la Orquesta de Filadelfia; o el legendario Joseph Alessi, trombón principal de la Filarmónica de Nueva York desde hace mucho tiempo…entre otros.

Marshall Gilkes (trombón), Aaron Parks( piano), Linda May Han Oh (bajo), Johnathan Blake (batería), Brandon Ridenour (trompeta) Ethan Bensdorf (trompeta) Tony Kadleck (trompeta) Adam Unsworth (corneta) Joseph Alessi (trombón) Demondrae Thurman (euphonium) Nick Schwartz (bajo, trombón), Marcus Rojas (tuba)

Puntuación: 4 de 5.

Mark Guiliana – The Sound of Listening

Después de sus álbumes de cuarteto ‘Jersey’ y ‘Family First’, este tercer lanzamiento, en el que se acompaña de Shai Maestro, Jason Rigby y Chris Morrissey, lleva la música de Giuliana en nuevas direcciones, realmente diferentes a su último trabajo: BEAT MUSIC! marcado por los sonidos electrónicos y experimentales.

En cambio ‘The Sound of Listening’ (intencionadamente en minúsculas) se presenta como un disco honesto, expresivo de un músico que en esta ocasión entronca con su lado más «clásico» si es que este es un adjetivo que se puede asociar con Giuliana. El título y la idea de «el sonido de la escucha» están tomados del libro «Silencio» de Thích Nhất Hạnh, que considera, como explica Mark, «el silencio interior necesario para observar verdaderamente el mundo».

En ‘the sound of listening’ se reúne toda la amplitud compositiva de las influencias acústicas y electrónicas de Mark, intercaladas con viñetas en miniatura en una voz unificada: el álbum habla del propio viaje y pensamiento de Mark con su relación con la música: ver el mundo y su presencia en él a través de una lente ampliada, donde las diferencias se unifican y las perspectivas se alinean. Los títulos de las pistas, como «a path to bliss» (un camino hacia la felicidad) y «the most important question» (la pregunta más importante), reflejan la apasionada respuesta de Mark a su propia exploración y camino hacia la serenidad, que ocupa el centro de este álbum meticulosamente reflexivo e introspectivo.

Mark Giuliana (batería), Jason Rigby (saxo), Chris Morrissey (bajo), Shai Maestro (piano)

Puntuación: 4 de 5.

Gonzalo del Val – Tornaviaje

“Tornaviaje” es el relato que habla sobre el retorno tras haber explorado otros horizontes vitales. Gonzalo del Val es ese artista que desplegó velas en busca del viento y de la corriente favorables y que volvió para contarlo. Ese que marchó para sondear los límites de la creatividad, cartografiando lo desconocido y que vuelve asumiendo el reto de abandonarse al cambio, a la transformación dice el material de prensa que acompaña el último disco de Gonzalo del Val. ¿Y de qué viaje nos habla?

Del que realiza en 2016 cuando se traslada a Dublín y desarrolla su carrera musical a lo largo de tres años, colaborando con algunos de los músicos más importantes de la escena irlandesa. Fruto de esta experiencia nace “Tornaviaje”, n disco en el que Gonzalo del Val no solo retoma su faceta de compositor sino que además, se aleja del formato acostumbrado de trio para adaptar y diseñar cada una de esas composiciones a un formato de cuarteto, considerando tanto el lenguaje como el aporte estilístico de cada uno de los integrantes de la banda.

Una banda en la que se integran Romain Pilon, uno de los guitarristas más destacados e influyentes de la escena francesa y colaborador entre otros de Brian Blade o Greg Hutchinson y a los que se suma el reconocido y galardonado trompetista Raynald Colom cuya carrera transcurre al lado de nombres como Nicholas Payton, Greg Osby y Chano Domínguez entre otros y el joven y virtuoso contrabajista Manel Fortiá, toda una referencia y una de las figuras más prometedoras de su generación. Un trabajo que discurre en equilibrio perfecto en clave de Jazz contemporáneo y ciertas reminiscencias al jazz de los 70´s, con ciertos toques de free jazz y energía apasionada.

Raynald Colom (trompeta), Romain Pilon (guitarra), Manel Fortià (bajo), Gonzalo del Val (batería). + Carme Canela (Voz)

Puntuación: 4.5 de 5.

Connie Han – Secrets of Inanna

Secrets of Inanna es el tercer álbum de Han con Mack Avenue, tras el rompedor Iron Starlet de 2020. Todo el proyecto está inspirado en la mitología sumeria de la antigua Mesopotamia, concretamente en la diosa del amor, la sensualidad, la belleza, la fertilidad y también la guerra: Inanna. The Descent of Inanna narra el viaje de la diosa al inframundo desde sus dominios en el cielo. Por el camino debe enfrentarse a su hermana mayor Ereshkigal, la Reina Oscura , y a su propia oscuridad interior; en el proceso, Inanna es asesinada y renace como la Estrella de la Mañana, de la que se harán eco posteriormente las historias de Venus, Ishtar y Afrodita.

Han comparte su fascinación por Inanna: «Amada por su pueblo como la Reina del Cielo y de la Tierra, representa un faro brillante de feminidad, gracia y aplomo. Esta diosa polifacética se siente segura de sí misma por su descarado orgullo, sus conquistas sexuales y su audacia. Beligerante y luchadora, Inanna no se detiene ante nada para lograr sus objetivos como mujer apasionada con una resolución de hierro y una insaciable sed de poder».

La música fue concebida y escrita en colaboración con el productor y baterista de toda la vida del pianista, Bill Wysaske, y cuenta con la participación del gran bajista John Patitucci y el veterano saxofonista tenor Rich Perry, con contribuciones de Katisse Buckingham en la flauta alta y el piccolo. Utilizando sólo a estos músicos en diferentes configuraciones y arreglos imaginativos, Han y Wysaske conjuran un amplio espectro de estados de ánimo y emociones para su épico viaje.

Mack Avenue Records. Connie Han (piano), Bill Wysaske (bajo), John Patitucci (bajo), Katisse Buckingham (flauta), Rich Perry (saxo)

Puntuación: 5 de 5.

Alina Bzhezhinska and The HipHarpCollective – Reflections

Cuando era una adolescente en la Ucrania de los años 80, a Alina Bzhezhinska le encantaba recopilar su música favorita en casetes, antes de descubrir el jazz, la riqueza sonora del arpa y la música de Dorothy Ashby y Alice Coltrane. Para su esperado segundo álbum, «Reflections», la arpista ha recuperado este enfoque y ha reunido su propio universo sonoro.

Reflections, se inspira en varias fuentes. Sobre todo, de Ashby y Alice Coltrane, los artistas que ella llama «los dos principales pilares del arpa de jazz». «Reflections» es un trabajo que avanza en la mezcla de jazz y arpa clásica de la artista con capas de electrónica, incorporando las contribuciones de estrellas del jazz británico, como el trompetista Jay Phelps, el saxofonista Tony Kofi, la contrabajista Julie Walkington y los miembros principales del HipHarpCollective de Bzhezhinska

Se trata de una grabación en la que, si bien está animada por el colectivo, el arpa lleva la voz cantante de forma inequívoca; un álbum que abarca el jazz tradicional, el jazz espiritual y el free jazz, el hip hop, el trip hop y el rap; que posiciona firmemente a Bzhezhinska como un músico de jazz con una visión única.

Alina Bzhezhinska (arpa), Tony Kofi(saxo), Jay Phelps (trompeta), Julie Walkington (bajo VimalaRowe (vocal), Mikele Montolli (bajo eléctrico), Joel Prime (percusión), Adam Teixeira (batería), Ying Xue (violín y viola)

Puntuación: 4.5 de 5.

Michael Woolny – Ghosts

El nuevo álbum de Wollny, «Ghosts», reúne algunos de los fantasmas que le persiguen habitualmente. Típicamente para Wollny, van desde clásicos como «Erlkönig» de Franz Schubert hasta estándares de jazz, música de películas, canciones con cierta fragilidad de Nick Cave, por ejemplo, o del grupo Timber Timbre, y también incluye sus propias composiciones originales, oscuramente evocadoras.

Además de la inclinación de Michael Wollny por la fantasía terrorífica, la idea de la «hauntología» es importante para él. Este término, que desde hace tiempo está presente en los debates sobre la música pop, despierta recuerdos de un pasado lejano: sonidos olvidados, fantasmales y espectrales.

La formación que se escucha en «Ghosts» es la continuación directa de «Weltentraum», un álbum que se ha convertido en la piedra angular de la discografía de Wollny, ya que estableció su reputación como artista «capaz de convertir cualquier pieza musical imaginable en una experiencia que te deja sin aliento». El sonido y la vibración tan particulares del bajista estadounidense Tim Lefebvre se pueden escuchar en álbumes de David Bowie, Wayne Krantz y Elvis Costello. La aventura más reciente de Wollny junto a él ha sido el proyecto «XXXX», aclamado internacionalmente. Por otro lado, Wollny lleva casi 20 años tocando con el batería Eric Schaefer. Al igual que Lefebvre, también es tremendamente original, un músico con un enfoque sonoro casi orquestal, un inconfundible sentido del groove y una impresionante individualidad.

El trío habita un espacio acústico en el que nada es superfluo ni se desperdicia: la resonancia de un platillo, un tambor o una cuerda pulsada, o el sonido de una superficie reverberante, todo está de alguna manera en el aire. Y a veces lo único que queda es un eco acústico o electrónico, un sonido que flota y adquiere su propia existencia misteriosa y espectral.

ACT Records – Michael Woolly (piano), Tim Lefebvre (bajo), Eric Schaefer (batería)

Puntuación: 4.5 de 5.

Katalyst – JID013

Formado en 2014, Katalyst Collective no es fácil de etiquetar. No se trata estrictamente de un colectivo fijo, sino de una incubadora de nuevos talentos locales, que ayuda a perfeccionar las voces y los talentos de los miembros individuales mientras avanzan juntos en la escena de Los Ángeles.

Cada «Kat» escribe su propio material en solitario, y todos contribuyen y colaboran en cada proyecto, beneficiándose de la energía compartida. Con su colaboración para Jazz Is Dead, Katalyst se ha posicionado como uno de esos fenómenos a los que habrá que seguir prestando máxima atención.

Aunque no con el claro protagonismo que ahora alcanzan, este grupo ya se le pudo escuchar en otras entregas de Jazz Is Dead, ya que esta es la formación que acompañaba a Gary Bartz y Roy Ayers en sus respectivos discos. A diferencia de otros entregas de Jazz Is Dead aquí los productores de la serie, Ali Shaheed Muhammad y Adrian Younge, no participan en la música que se ha compuesto, manteniéndose en el plano de la producción. Si no el mejor, probablemente uno de los mejores discos que ha publicado el sello hasta la fecha.

Jazz Is Dead – David Otis (saxo); Corbin James (saxo); Emile Martinez (trompeta); Jonah Levine (trombón); Brandon Cordoba (teclados); Brian Hargrove (teclados); Marlon Spears (bajo); Greg Paul (batería); Ahmad Dubose (percusión)

Puntuación: 3 de 5.

Blue Note Re:Imagined II

Tras la buena acogida que en 2021 tuvo el primer Blue Note Re:Imagined, el sello vuelve a la carga echando mano de muchas de las estrellas británicas del jazz pero también de soul o del R’n’B para revisiones temas clásicos.

El primer single y con el que se anunció el álbum es la reinvención que hace la vocalista Ego Ella May de «The Morning Side Of Love», del baterista Chico Hamilton, que apareció por primera vez en el álbum Peregrinations de Hamilton en Blue Note en 1975.

Otros temas del álbum comprenden la versión del dúo funk-pop Franc Moody de «Cristo Redentor» de Donald Byrd, la versión de la vocalista Cherise de «Sunrise» de Norah Jones, y la versión de Maya Delilah de «Harvest Moon» de Neil Young, que fue grabada por Cassandra Wilson en su álbum New Moon Daughter de Blue Note de 1995.

El pianista Reuben James, reimagina la balada de Wayne Shorter «Infant Eyes», el tubista Theon Cross, versiona la composición de Thelonious Monk «Epistrophy», y el conjunto de 9 músicos de afro-jazz Nubiyan Twist da un nuevo giro a «Through The Noise (Chant 2)» de Donald Byrd. Si bien el álbum contiene algunos temas notables (en nuestra opinión destacando sobre todos ellos la versión de Theo Cross), quizás su calidad es algo más irregular que el primer volumen de la serie y se pierde algo el factor sorpresa del año pasado. Con todo, un disco que merece la pena.

Web | + posts

Rudy de Juana es periodista tecnológico y apasionado por el jazz. También podéis seguirme en MuyComputerPro.com y en rodolfodejuana.com

Standard

4 thoughts on “Chocs and Chops: los discos de jazz de octubre (2022)

  1. Eugenio Izaga Chasco says:

    Hola, al reseñar los discos no entiendo cómo no mencionáis el sello discográfico ni el año de edición, creo que es importante y hay que ser más cuidadosos con los detalles

    • Hola! El año de edición está implícito en el título de cada artículo, en este caso (octubre 2022). En cuanto al sello, la mayoría de los discos lo indicamos. Cuando no está, normalmente es porque se trata de discos auto-producidos.

Deja un comentario