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Chocs and Chops: los discos de jazz de noviembre y diciembre (2022)

Encaramos la recta final de 2022 con una selección con los mejores discos de jazz que hemos escuchado en noviembre y diciembre. Y nos encontramos con algunas sorpresas que desde luego tienen mucho interés, como esas cintas misteriosas que se han recuperado en la casa del fallecido Esbjörn Svensson o el nuevo trabajo de Takuya Kuroda, que prosigue el camino que comenzara en “Fly Moon Die Soon”. Nos encontramos además con dos de los discos que perfectamente podrían entrar en la clasificación de mejores álbumes del año, como son el «Beyond» de I AM, o el «A View with a room» de la saxo Trish Clowes. ¡Comenzamos!

Puntuación: 3 de 5.

Esbjorn Svensson – HOME.S

Hay pocas figuras en la música cuya obra influya y dé forma a un género en su conjunto. Éste es sin duda el caso del sueco Esbjörn Svensson. Con su trío E.S.T., el pianista y compositor cautivó al público más allá de edades y géneros. Y su influencia en el jazz en su conjunto llega hasta nuestros días.

HOME.S. es el único álbum en solitario de Esbjörn Svensson, y la mera existencia de tal grabación y su descubrimiento totalmente inesperado más de una década después de su creación resulta increíble, teniendo en cuenta que desde principios de la década de 1990, Svensson centró casi toda su energía creativa y sus actividades discográficas en su trabajo con E.S.T.

Así, esta nueva grabación no sólo es la primera, sino prácticamente la única que muestran a Svensson en un entorno distinto al del trío: íntimo, concentrado y completamente uno consigo mismo. Las grabaciones para HOME.S. se realizaron sólo unas semanas antes de la repentina muerte de Esbjörn Svensson el 14 de junio de 2008 y fueron realizadas en su estudio casero.

Si analizamos el contenido de las mismas descubrimos una música mucho más cercana a mundo clásico que al jazz, como si de alguna forma Svensson hubiese querido despojarse de lo que no dejaba de ser su “trabajo diario”. Lo que encontramos más que composiciones de “gran altura” son pequeños estudios para piano, muy bonitos en ocasiones, pero en los que tal vez,en realidad no había una pretensión de llegar a ser editados. Un disco sin duda imprescindible para los amantes de e.s.t pero que tal vez puede dejar algo indiferente al resto.

ACT Records: Esbjorn Svensson (piano)

Puntuación: 5 de 5.

I AM – Beyond

I AM es la combinación del tremendo sonido que son capaces de producir juntos el saxo Isaiah Collier y el batería y percusionista Michael Shekwoaga Ode.

En «Beyond», Isaiah y Michael buscan en lo más profundo de su conciencia espiritual individual para comunicar que hay algo «más allá» de las limitaciones del mundo físico y de la comprensión de la vida cotidiana.

El gran objetivo de este álbum es acompañar al oyente en un viaje extraño, espiritual y fascinante, sin concesiones a cualquier comprensión que no sea el deseo de aprovechar las fuerzas superiores en el universo y entregar ese mensaje al mundo. Un trabajo hasta cierto punto lisérgico, que se mueve en la frontera del free jazz y el bop más descarnado, en una coctelera en la que prácticamente todo está permitido.

El álbum parte con una introducción del Terapeuta Sanador del Sonido y Poeta Jimmy Chan, que con un sonido basado en gongs y cuencos tibetanos, nos da la bienvenida a un universo que sin embargo, descubriremos totalmente diferente, como si de alguna forma estuviera llamando a la puerta de un universo paralelo. Uno de los discos imprescindibles de este año.

Chicago Recording Company: Isaiah Collier (saxo), Michael Shekwoaga Ode (percusión)

Puntuación: 4 de 5.

Abe Rábade – Botánica

Botánica, el nuevo albúm de Abe Rábade, está compuesta por 14 composiciones originales dedicadas a la vegetación autóctona de Galicia y forman un campo de visión abierto al mundo que fusiona lo rural con lo urbano. La escritura musical y el piano de Abe Rábade se encuentran con la voz y la percusión tradicional gallega de uno de los valores más prestigiosos de la actualidad: Davide Salvado.

Daniel Juárez al saxo tenor, Virxilio da Silva a la guitarra, Ton Risco al vibráfono, Jimena Andión al violonchelo, Pablo Martín Caminero al contrabajo y Naíma Acuña a la batería completan un colectivo artístico heterogéneo, basado en la integración de la estética musical y la exploración libre de prejuicios.

Sorprendente desde el principio al final, lo nuevo del compositor y pianista gallego llama la atención por una fusión poco evidente que desde el jazz más “clásico”, incursiona en el folk y la música tradicional, e incluso en ocasiones se muestra “salpicado” de toques de rock o incluso de funk. Un crisol “rural” y sin embargo, urbano y contemporáneo. Muy recomendable.

Karonte: Abe Rábade (piano) Daniel Juárez (saxo tenor), Virxilio da Silva (guitarra), Ton Risco (vibráfono), Jimena Andión al violonchelo, Pablo Martín Caminero (contrabajo) Naíma Acuña (batería)

Puntuación: 4.5 de 5.

Takuya Kuroda – Midnight Crisp

El séptimo álbum de estudio del trompetista japonés Takuya Kuroda, es en realidad un EP, que bajo el nombre “Midnight Crisp”, sigue explorando en los seis temas que componen el disco, muchas de las ideas que ya presentase en su anterior trabajo: “Fly Moon Die Soon” (2020).

Como en este, encontramos a un trompetista dotado de un sonido único, que combina jazz, funk, post-bop, fusión e incluso tímidas incursiones en el hip-hop. Sus composiciones son enérgicas y llenas de swing y demuestran una vez la enorme capacidad del japonés para navegar entre distintos géneros con total naturalidad.

Esa fusión de géneros no ocultan sin embargo, la admiración que Kuroda siente por músicos como Art Blakey, Miles Davis, o Herbie Hancock, y que se trasladan brevemente a los motivos centrales de temas como “Time Coil” o “It’s Ok”, que pese al peso de esa fusión, remiten en su desarrollo a clásicos de Blue Note de los años 60 y 70.

En definitiva, “Midnight Crisp” muestra que Takuya Kuroda es un maestro de saber con qué piezas trabajar y cómo montarlas correctamente. Sonido clásico del futuro, que mira hacia el pasado, para volver al presente.

First Word Records: Takuya Kuroda (trompeta) Adam Jackson (percusión), Chris McCarthy, Takahiro Izumikawa, Takeshi Ohbayashi (teclados), Corey King (trombón)

Puntuación: 4 de 5.

Bill Frisell – Four

Dos años después de publicar su aclamado álbum en trío Valentine, Bill Frisell regresa con «Four», una reflexión sobre la pérdida, la renovación y los misterios de la amistad. El tercer álbum de Frisell para Blue Note Records desde que firmó con el sello en 2019, ofrece nuevas interpretaciones de originales grabados anteriormente, así como nueve temas nuevos.

La sesión reúne a Frisell con tres de nuestros músicos favoritos: Gerald Clayton al piano, Johnathan Blake a la batería  y Greg Tardy,  al saxofón, clarinete y clarinete bajo. A lo largo de la grabación, la expresión de cada artista emerge melódica y textural a partes iguales. Las distintas opciones, fuertes y sutiles, marcan el carácter profundo de la música desde el primer momento. Otros aspectos de “Four” reflejan también el amor de Frisell por la Americana y cierto jugueteo con el mundo del blues. 

Gran parte del repertorio fue compuesto en lo peor de la pandemia y ese profundo sentimiento de melancolía y pérdida, se refleja en la mayoría de los nuevos temas, como en un “Dear Old Friend” en la que Frisell lamenta la pérdida de su amigo Alan Woodward. En conjunto sin embargo, Frisell dedica el disco no solo a Woodward, sino especialmente a Ron Miles, su “alma gemela” musical y que falleció el pasado mes de marzo. 

Blue Note: Bill Frisell (guitarra), Gerald Clayton (piano), Johnathan Blake (batería), Gregory Tardy (saxo tenor y clarinete)

Puntuación: 3 de 5.

Jakob Bro y Joe Lovano – Once Around The Room

En “Once Around The Room”, Jakob Bro y Joe Lovano se ponen al frente de un grupo de siete músicos para homenajear la música de Paul Motian.

El resultado es un disco de seis temas originales que recuerdan los modismos y la idiosincrasia que Motian sacó a la luz a lo largo de seis influyentes décadas tras la batería. Lo cierto es que Lovano y Motian habían sido colegas íntimos durante muchos años, siendo su colaboración más notable su innovador trío con Bill Frisell, que entre otras cosas, se plasmó en la publicación de tres discos para ECM.

En este trabajo, las composiciones de Lovano y Bro se mezclan junto a altas dosis de improvisación colectiva y una versión coral de propia «Drum Music» compuesta por el propio Motian. A los dos líderes del proyecto se le unen grandes nombres como Larry Grenadier, Thomas Morgan y Anders Christensen respectivamente al bajo, así como los baterías Joey Baron y Jorge Rossy.

El disco que desde luego es interesante en muchas parte de su recorrido, peca sin embargo de cierta irregularidad y aunque es notable en su parte central, en ocasiones tenemos la sensación que no acaba de cumplir con algunas promesas.

ECM: Jakob Bro (guitarra), Joe Lovano (saxo), Larry Grenadier, Thomas Morgan y Anders Christensen (contrabajo), Joey Baron y Jorge Rossy (batería)

Puntuación: 5 de 5.

Trish Clowes – A View With A Room

Durante la última década, la prolífica y versátil saxofonista y compositora británica Trish Clowes ha escrito para conjuntos tan importantes como la London Sinfonietta y la BBC Concert Orchestra. Pero desde 2016, probablemente su escenario favorito ha sido su pequeña banda de jazz, el cuarteto My Iris.

El guitarrista Chris Montague, el teclista Ross Stanley y el baterista James Maddren se unen a Clowes en su séptimo álbum, “A View with a Room”, una mezcla de paisajes cinematográficos, grooves de guitarra funky, y composiciones meditativas compuestas a base de patrones minimalistas e improvisación fluida.

Clowes compuso todas menos una de estas ocho instrumentales para sus espectáculos en directo, y el aislamiento, la pérdida y los esporádicos consuelos creativos que surgieron a raíz de la pandemia influyen inevitablemente en sus temas. El tema que da título al disco evidencia la monotonía del encierro, mientras que la flexibilidad asimétrica del solo de tenor de Clowes y las pausas fluidas de Stanley y Montague celebran esa creatividad a la que dieron rienda suelta en los peores momentos.

Un álbum que se presenta como una sorpresa más que agradable para una artista que no es demasiado conocida en España, pero que a partir de este álbum estamos seguros que oiremos hablar mucho más de ella.

Greenleaf Music: Trish Clowes (saxo), Ross Stanley (teclados), Chris Montague (guitarra) James Maddren (batería)

Puntuación: 4 de 5.

Ezra Collective – Where I’m meant to be

Ezra Collective han sido durante mucho tiempo la banda de jazz de facto de la escena londinense y por la que han pasado muchos de los talentos de la nueva escena británica. En su segundo álbum van sin embargo mucho más allá de lo que nos tenían acostumbrados y lo hacen de forma sofisticada.

Sus 14 temas reflexionan sobre el lugar en el mundo que ocupan sus cinco instrumentistas y cómo su forma de crear, siempre en la vanguardia, también se apoya en la tradición y en el pasado: en “Belonging” utilizan fragmentos de una conversación telefónica con el director de cine Steve McQueen; hay un guiño a “Welcome to Jamrock” de Damien Marley; y al comienzo de “No Confusion”, la voz del difunto batería nigeriano Tony Allen entona: «Toco jazz a mi manera».

El vocabulario de Ezra Collective se encuentra en constante expansión (siempre cargado de afrobeat, dub y los sonidos jóvenes de Londres) llegando en esta ocasión hasta la salsa desenfrenada, o el funk británico, por no hablar de instrumentos como el gqom sudafricano y algunas mezclas de géneros realmente interesantes.

En el plano vocal, los raperos Kojey Radical y Sampa the Great se mezclan perfectamente con la armonía “entre-aguas” de los temas y las cantantes Emeli Sandé y Nao brillan en “Siesta” (que recuerda al Sincere de MJ Cole) y en “Love in Outer Space”. Los chicos de Londres demuestran que no solo saben tocar bien, sino que también tienen una gran habilidad a la hora de componer.

Partisan Records: Ezra Collective

Charles Lloyd – Trios: Sacred Thread

Puntuación: 4 de 5.

El tercer álbum de la serie “Trios: Sacred Thread” en la que Charles Lloyd se reúne con algunos de los mejores músicos de la actualidad, cuenta en esta ocasión con el guitarrista Julian Lage y el percusionista Zakir Hussain, y fue grabado en septiembre de 2020 en The Paul Mahder Gallery en Healdsburg (California), como un concierto en directo para una audiencia virtual.

El que sin duda es el álbum más “exótico” de la serie, remite directamente a los encuentros que a finales de los años 50 Lloyd tuvo con músicos indios como Ravi Shankar y Alla Rakha. No es de extrañar por lo tanto, que en este hilo sagrado, lo que escuchemos sea un viaje íntimo y susurrante que nos transporta a esos sonidos que hoy en día, buena parte del jazz contemporáneo ha dejado atrás.

Cuesta sin embargo definir este álbum como un disco de jazz, encuadrándose mucho más fácilmente en ese concepto más amplio que conforma la “World Music”. Y sí, el saxo y la flauta de Lloyd están presentes de una o de otra forma en todos los temas, pero casi siempre de forma sutil, renunciando conscientemente al protagonismo principal.

La guitarra de Lage sigue igualmente un camino parecido, en el sentido de que sirve a una causa, en este caso, a la del sonido percursivo pero sobre todo a la voz de Zakir Hussain, quien es en realidad el auténtico protagonista del álbum. Un disco realmente interesante y muy bonito en algunos pasajes, pero que no pasará a la historia de los mejores trabajos de Lloyd, por el simple hecho de que resulta complicado reconocer en él su firma personal.

Blue Note: Charles Lloyd (saxo y flauta), Julian Lage (guitarra) Zakir Hussain (percusión y voz)

Puntuación: 4.5 de 5.

Tyshawn Sorey Trio – «The Off-Off Broadway Guide to Synergism»

«The Off-Off Broadway Guide to Synergism» es un conjunto de tres discos grabado en directo en The Jazz Gallery de Nueva York, con el trío del baterista Tyshawn Sorey y el saxofonista alto Greg Osby. Cada vez más célebre por sus obras ambientadas en el mundo de la música clásica contemporánea (Sorey ha sido nombrado recientemente «compositor del año» por The New York Times) y generalmente asociado con la música de vanguardia, Off-Off Broadway es un regreso a sus raíces musicales: una celebración de la improvisación colectiva sobre conocidos estándares de jazz.

En este trío se presenta junto al pianista Aaron Diehl, conocido por su asociación con la cantante Cécile McLorin Salvant; el bajista Russell Hall, que ha tocado con Wynton Marsalis y Joey Alexander y el propio Greg Osby, cuya ilustre carrera de cuatro décadas incluye 14 lanzamientos para Blue Note.

Uno de ellos, “Banned in New York”, ha servido de inspiración para un triple disco que muestra a una banda que toca con un desenfreno salvaje, pasando de una canción a otra sin solución de continuidad; una verdadera combustión espontánea de músicos maestros que se unen a través del lenguaje común de la improvisación.

Pi Recordings: Tyshawn Sorey (batería), Greg Osby (saxo alto), Aaron Diehl (piano), Russell Hall (contrabajo)

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2 thoughts on “Chocs and Chops: los discos de jazz de noviembre y diciembre (2022)

  1. IGNACIO LÓPEZ REBOLLAR says:

    Me gustan mucho vuestros escritos, de hecho recibo los correos siempre con el ánimo de seguir aprendiendo cosas de nuestra música, y vuestro emails y especialmente los de Rudy, son muy buenos.
    No he escuchado los discos que criticas, y normalmente no suelo estar en desacuerdo contigo, al menos en mucha medida, pero la crítica del disco de Jacob Bro y Joe Lovano, me ha resultado muy triste y equivocada.
    Tuve la suerte de escuchar el Paul Motian on Broadway, en el Jazzaldía de hace muchos años, y es uno de los conciertos más hermosos que he escuchado, este disco recoge con mucha fidelidad el espíritu de ese concierto y de ese grupo, tiene suspendidas en el aire las sensaciones, no bajan hasta que acaba la nota o la frase, es una maravilla, no son siete músicos, los bajistas y los baterias, nunca tocan juntos, espero poder oir muchos discos como este a lo largo del tiempo y que tu me les presentes.
    Estoy de acuerdo con la crítica de Yahvé de la Cavada, en el Babelia, se acerca más a lo que representa.
    De todas formas muchas gracias por tu labor, es impagable.

    • Hola Ignacio,
      En primer lugar, muchas gracias por tu amable comentario. Nos alegra mucho tener un lector como tú y me alegra mucho que te guste tanto lo que publicamos. En cuanto al disco de Jacob Bro y Joe Lovano, por supuesto respeto tu opinión y estoy seguro que esa experiencia fue impagable. Personalmente me ha parecido como comentaba un disco interesante, pero reconozco que no he conectado con él. Le daré alguna nuevas escucha.

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