No hemos parado el pasado mes de junio y julio amenaza con más “no parar”. Esto ha motivado que nos hayamos retrasado unos días con los discos más destacados del pasado mes, pero a cambio lo que os presentamos es una colección espectacular: desde el último trabajo de Peter Brötzmann antes de su fallecimiento hace unas semanas, hasta la novísima sinfonía de Henry Threadgill, pasando por los nuevos lanzamientos de Kassa Overall, Meshell Ndegeocello o Linda May Han Oh, todo suena mejor en verano. ¡Comenzamos!
Peter Brötzmann – Catching Ghosts
“Catching Ghosts”, el último disco de Peter Brötzmann, es una actuación histórica de uno de los grandes improvisadores de la historia del jazz, que se une aquí junto al experto marroquí en la música Gnaoua Majid Bekkas, que toca el guembri de dos cuerdas y el baterista originario de Chicago, Hamid Drake.
Es el regreso a los escenarios del octogenario Brötzmann después de los años de pandemia, y evoca sus encuentros previos con la música Gnaoua, como “The Catch of a Ghost” (2019) con el maestro del guembri Maâlem Moukhtar Gania, y un encuentro en 1996 con Maâlem Mahmoud Gania en el Festival Music Unlimited de Austria.
Improvisando sobre los cantos litúrgicos Gnaoua, Brötzmann, Bekkas y Drake pulsan en “Chalaba”, “Mawama”, “Hamchia” y “Balini” de una manera tan directa que emociona a cualquier persona que tenga o no, conocimientos previos sobre la música árabe y bereber.
Escuchamos los gritos del saxofón, clarinete y tárogató como invocaciones y declaraciones; sentimos cómo los tambores despiertan impulsos internos; percibimos el golpeo de las cuerdas como untodo, y una voz que nos transporta a un desierto tan hostil como en ocasiones bello y sereno.
Los cantos Gnaoua han sido adaptados en numerosas ocasiones en la música árabe moderna, y gigantes del jazz como Ornette Coleman, Pharoah Sanders, Archie Shepp y Randy Weston se han dedicado a explorar fusiones similares anteriormente. Sin embargo, escuchar a Brötzmann, uno de los exponentse europeos del jazz más audaz, sumergirse tan profundamente en este material, supone adentrarnos en un territorio nuevo.
Como explica el músico en el libreto que acompaña el disco, “mi enfoque para estos temas es sumergirme en ellos y perturbarlos, para que sucedan otras cosas. No pienso en escalas o armonías. Sigo a Bekkas, y cuando él cambia, hago algo en contra para que la música me resulte interesante. Creo que la dialéctica es una buena manera de crear algo nuevo a partir de la tensión. Necesito eso en cualquier tipo de interpretación”.
ACT Records: Peter Brötzmann (saxo), Majid Bekkas (guembri), Hamid Drake (batería)
Henry Threadgill – The Other One
“The Other One”, lo último de Henry Threadgill, es el componente musical de una gran obra multimedia interpretada y grabada en vivo en Roulette Intermedium en Brooklyn, Nueva York en 2022.
La grabación está compuesta por una composición de tres movimientos titulada ”Of Valence”, inspirada en la obra del percusionista y teórico Milford Graves y en particular, por su integración de los latidos del corazón humano en sus obras musicales.
Para ello, Threadgill se ha rodeado de un conjunto de 12 músicos y como resultado, encontramos muchas de las características de quien sigue siendo uno de los grandes talentos improvisadores de las últimas décadas: formas impredecibles, combinaciones instrumentales inusuales que crean timbres sorprendentes, ritmos burbujeantes, melodías entrelazadas y una hábil combinación de composición e improvisación.
The New York Times describió la actuación como poseedora de “un sentido galvánico de swing” (quiera decir esto lo que quiera decir) que se encuentra “en perfecta sincronía con cada fintar rítmico sorprendente, produciendo una energía threadgilliana oblicuamente bailable y alegremente directa”.
Y aunque la música improvisada siempre es difícil de definir, que el esfuerzo de las palabras no alcanza a describir lo que se escucha con la precisión que uno querría expresar, que nadie dude que lo último de Threadgill es un claro candidato a uno de los mejores discos de este año.
Pi Recordings: Henry Threadgill (dirección), Alfredo Colón (saxo alto), Noah Becker (saxo alto y clarinete), Peyton Pleninger (saxo tenor), Craig Weinrib (percusión, electronics) Sara Caswell (violín), Stephanie Griffin (viola) Mariel Roberts (chelo), Christopher Hoffman (chelo) Jose Davila (tuba), David Virelles (piano) Sara Schoenbeck (fagot) Adam Cordero (fagot)
Meshell Ndegeocello – The Omnichord Real Book
En los últimos 30 años, la bajista y vocalista germano-estadounidense Meshell Ndegeocello ha aportado su combinación única de melodías espaciosas, ritmos arraigados y punteo intricado a canciones de artistas que van desde Madonna hasta Herbie Hancock y Robert Glasper.
A lo largo de sus propios álbumes, Ndegeocello ha estado perfeccionando este sonido para crear música soul que mezcla tanto el R&B y el hip-hop como el jazz más moderno.
En su último álbum, Ndegeocello mira hacia el futuro, produciendo un paisaje sonoro futurista y original de enérgico synthpop, R&B electrónico, y jazz-fusión que lleva a desdibujar cualquier límite de esos géneros que consideramos como establecidos.
La programación de batería electrónica estruendosa le da un ritmo modernista a canciones como “Georgia Ave” y “Omnipuss”, mientras que el saxofón sintetizado de Josh Johnson sostiene las armonías plañideras de “An Invitation”.
Las colaboraciones del vibrafonista Joel Ross en la balada “Towers” y del guitarrista Jeff Parker en la fusión acelerada de “ASR” están ancladas por la enérgica interpretación del bajo de Ndegeocello, lo que brinda coherencia una paleta de géneros variados y que se presentan pensados para complacer a las nuevas generaciones que tal vez se acercan al jazz por primera vez, pero también a aquellos que llevamos años disfrutándolo.
Blue Note: Jason Moran (piano), Ambrose Akinmusire (trompeta), Joel Ross (vibráfono), Jeff Parker (guitarra), Brandee Younger (arpa), Julius Rodriguez (piano), Mark Guiliana (batería), Cory Henry (voz, órgano)
Iosu Izaguirre – Mingus Moods
Charles Mingus tocaba al mismo tiempo de manera bella, de manera áspera y violenta, con todo su amor, con todo su odio, con agresividad y con delicadeza. En esencia un músico de Jazz, pero, ante todo, moldeador incomparable de una música, o quizá mejor de un sonido, de un alcance mucho más amplio. Y no solo por su prodigioso talento, sino también por su personalidad poliédrica, peligrosa e indescifrable.
Envuelto en una lucha constante contra el racismo inherente a la sociedad occidental, con una actitud siempre firme, valiente y desafiante e instigadora de miles de polémicas; genial, insuperable y malhumorado amante de la música.
Cuenta el bajista vasco Iousu Izaguirre que “somos muchos los que nos adoramos su magia y los que lo situamos entre los más grandes artistas del siglo XX, así como los que nos sentimos poderosamente atraídos por su tormentosa y misteriosa vida”, por lo que tal vez recuperar su legado, haciéndolo suyo y llevándolo (ligeramente al siglo XXI, sigue siendo necesario.
Como en la obra de Mingus, en el disco de Izaguirre se aprecian influencias de góspel, blues, música africana, de New Orleans, de México, de Colombia, swing, be bop, Duke Ellington, Debussy, Stravinsky o free jazz. Un trabajo en el que ha diseccionado la música del maestro hasta los elementos más simples y diminutos, y con ellos ha construido un nuevo edificio musical a modo de homenaje.
En conjunto, 8 composiciones originales de Iosu Izaguirre grabadas en la sala Araba de la Fundación Vital en Gasteiz en diciembre de 2022, muestras de cariño, respeto y admiración y una generosa invitación a sumergirse en la vida y obra del singular bajista.
Errabal Jazz: Iosu Izaguirre (bajo) Rubén Salvador (trompeta), Pablo Ramos (saxo alto), Asier Iturbe (trombón), Koldo Uriarte (piano), y Aitor Bravo (batería)
Dave McMurray – Grateful Deadication 2
El saxofonista Dave McMurray regresa con “Grateful Deadication 2”, la continuación de su aclamado álbum tributo a una de las bandas más influyentes del último tercio del siglo XX y que se hicieron tremendamente populares por una combinación única y ecléctica, que fusionaba elementos del rock, folk, bluegrass, blues, country y jazz.
Con la participación de artistas invitados como Bob James, Oteil Burbridge y Jamey Johnson, McMurray crea momentos melódicos cautivadores. La combinación entre ellos resulta particularmente efectiva en “If I Had The World To Give”, donde se establece una atmósfera espiritual entre McMurray y James , una complicidad que nace del la colaboración de ambos en el terreno de la música funk.
El disco ofrece una variedad de estilos y emociones. Desde la delicadeza de una balada como “To Lay Me Down” hasta la exuberancia y vitalidad que desbordan en canciones como “Playing In The Band”, “Truckin'” y “Crazy Fingers”. McMurray demuestra su gran versatilidad, ya sea el saxofón o la flauta, y despliega una amplia gama de sonidos que acaban bellamente plasmados en “Bird Song”.
El baterista Jeff Canady aporta su destreza a “The Other One”, enfatizando los cambios de ritmo que van desde el sonido más denso hasta el ligero traqueteo. Y sin duda, los amantes de los Dead disfrutarán al escuchar la interpretación de Burbridge en “Scarlet Begonias”, evocando recuerdos del pasado.
Blue Note: Dave McMurray (saxo tenor); Wayne Gerard (guitarra); Maurice O’Neal (teclados), Luis Resto (piano), Ibrahim Jones (bajo); Jeff Canady (batería), Larry Fratangelo (percusión) Jamey Johnson (voz), Greg Leisz (pedal Steel), Larry Campbell (guitarra), Don Was (bajo), Bob James (piano);, Oteil Burbridge (voz)
Kassa Overall – Animals
El baterista, compositor y productor Kassa Overall, publica «Animals» su quinto disco de estudio y en línea con sus trabajos previos, expande su sonido para incorporar muchas de las influencias que definen el paisaje urbano de Estados Unidos.
En esta ocasión, combina el icónico sonido de los Roland 808s con una batería innovadora, inspirada en el sonido de Elvin Jones y Billy Hart. A esto suma la colaboración con gran número de artistas, desde destacados raperos como Danny Brown, Wiki, Lil B y Shabazz Palaces, hasta virtuosos músicos de jazz como Theo Croker y Vijay Iyer o vocalistas de renombre como Nick Hakim, Laura Mvula y Francis and the Lights.
Nacido en Seattle en 1988, este baterista MC ha tenido la oportunidad de estudiar con el propio Elvin Jones y colaborar con algunos de los artistas más vanguardistas del género, como Geri Allen, Steve Coleman, Arto Lindsay, Robert Glasper o Dee Dee Bridgewater, para acabar creando un lenguaje propio y ecléctico que hunde sus raíces en un cruce entre el jazz de vanguardia, el hip-hop y la música electrónica. Además de su trabajo como músico, también ha desarrollado una carrera como productor y ha incursionado en otros medios, como la poesía o el videoclip.
Todo esto le ha valido que nada menos que Terry Line Carrington lo defina como “un maestro destacado en mezclar y fusionar estilos, que logra yuxtaponer géneros exitosamente a través de su experiencia en producción y su uso de formas melódicas y armónicas que integran hábilmente lo nuevo con lo antiguo”. Y “Animals” desde luego, no es una excepción.
Warp Records: Kassa Overall (batería, electrónica)
Orrin Evans – The Red Door
En “The Red Door”, Orrin Evans repasa su carrera a lo largo de las últimas tres décadas . Como líder y compositor, Evans siempre logra sacar lo mejor de quienes elige crear música junto a él. Además de destacar por su talento musical y su capacidad para colaborar con otros artistas, Orrin Evans ha logrado crear un álbum que rinde homenaje a aquellos que han sido fundamentales en su trayectoria.
En este sentido, “The Red Door” es una muestra de gratitud hacia aquellos que han contribuido a su desarrollo y crecimiento como músico. Desde maestros y compañeros de la industria hasta familiares y amigos, Evans reconoce la importancia de estas conexiones.
El álbum presenta dos conjuntos principales: uno con Buster Williams en el bajo y Gene Jackson en la batería, acompañados por el fallecido Wallace Roney en la trompeta y el legendario Larry McKenna en el saxofón tenor. El otro quinteto cuenta con Nicholas Payton en la trompeta, Gary Thomas en el saxofón y flauta, Robert Hurst en el bajo y Marvin “Smitty” Smith en la batería.
El disco también destaca por su variedad de estilos y emociones. Desde piezas enérgicas y llenas de vitalidad, como la versión que precisamente hace del “The Red Door” que grabó con The Bad Plus en el “Activate Infinity” de 2019 , hasta baladas melancólicas, como un “All Things Your Are” que a la postre sería uno de los últimos temas grabados por Wallace Roney antes de su muerte por COVID en 2020.
Otros temas notables incluyen “Weezy”, una pieza en la que el saxofonista/flautista Gary Thomas toma el protagonismo con su interpretación virtuosa y emotiva, o “Feed the Fire”, una composición dinámica que permite a los músicos explorar diferentes texturas y grooves.
Smoke Sessions: Orrin Evans (piano), Buster Williams (bajo) Gene Jackson (batería), Wallace Roney (trompeta) (Larry McKenna) (saxo), Nicholas Payton (trompeta) Gary Thomas (saxofón y flauta), Robert Hurst (bajo), Marvin “Smitty” Smith (batería)
Magalí Sare & Manel Fortiá – reTORNAR
Tras el lanzamiento de “Fang i Núvols” en 2020, el dúo formado por la cantante Magalí Sare y el contrabajista Manel Fortiá, regresa con una compilación de 10 canciones basadas en rutas marítimas, folclore iberoamericano y distintas fusiones inspiradas en el sonido y las distintas vidas del mar.
Como ambos explican a lo largo del disco, hoy en día ya no es necesario tomar un barco para descubrir y aprender sobre nuevas culturas; se pueden crear rutas imaginarias que atraviesan océanos y volver después a casa tras haber aprendido nuevos ritmos y melodías, que se transforman sin perder su esencia. De esta manera, y sin dejar el momento presente, el mensaje perdura en el tiempo.
Nos encontramos ante un álbum fresco, original y maduro, donde la parte instrumental se amplía con percusión, flautas, coros y otros elementos que realzan la voz de Magalí Sare y dan carácter al folclore iberoamericano del siglo XXI. Las canciones abarcan desde adaptaciones de tangos y boleros conocidos hasta transformaciones de canciones tradicionales de Menorca y Portugal, así como composiciones originales inspiradas en poemas.
El álbum comienza con “Tornar”, una adaptación en catalán del famoso tango “Volver” de Carlos Gardel, que además inspira el nombre del disco. Luego, nos encontramos con “Cambalache”, otro tango que nos transporta desde Buenos Aires hasta Río de Janeiro en pleno Carnaval. “Barco Negro”, que originalmente se llamaba “Mãe Preta”, sufrió cambios en su nombre y temática cuando fue censurada durante la dictadura en Portugal.
Otros temas incluyen el bolero “Verdad Amarga” de la compositora mexicana Consuelo Velázquez, la transformación de una canción tradicional menorquina en una ranchera llamada “Roseret”, y una canción tradicional portuguesa, “Senhora do Almortão”, que adopta el ritmo de bulerías de Jerez. Además, encontramos “La Leyenda del Tiempo”, popularizada por Camarón de la Isla y con influencias sefardíes, la canción brasileña “Modinha” con un toque experimental de tango, y una fusión de rock tecno-acústico entre la guajira cubana y la guajira flamenca en “Guantanamera”.
Por último, el álbum concluye con una composición original basada en un poema de Joan Antoni Carrau llamado “La meva àvia” (“Mi abuela”), que tiene un sonido muy distinto al resto del álbum.
Microscopi: Magalí Sare (voz, flauta, percusión), Manel Fortià (contrabajo, ukulele, percusión) David Domínguez (percusión)
Donny McCaslin – I Want More
“I want more”, el nuevo álbum de Donny McCaslin, es mucho más que una simple colección de canciones. Es según explica el mismo en su web, “una expresión poderosa del talento musical y la visión artística de McCaslin” en un trabajo que muestra su sonido más “musculoso”, desafiando los límites tanto en el aspecto sonoro como en el creativo.
Desde sus inicios, McCaslin ha demostrado su compromiso de empujar los límites del jazz y explorar nuevos territorios musicales, introduciendo en cada álbum nuevos sonidos. Su propuesta innovadora le ha llevado por ejemplo, a colaborar con David Bowie en “Blackstar”, el álbum más jazzístico del cantante.
El título del álbum refleja su deseo de presentar su música en su forma más pura y sin restricciones. McCaslin aspira en este sentido, a transmitir su mensaje directamente, sin filtros ni concesiones. Y si le creemos, deberíamos decir que su música se convierte así en un puente entre él y el oyente, invitándolo a explorar las profundidades emocionales y personales de su arte… según tengamos el día.
Por otro lado y como cada vez escuchamos más y más estos días, con “I Want More”, McCaslin no solo ofrece a los oyentes una experiencia única, sino que también desafía la concepción convencional de lo que puede ser un álbum de jazz, planteando nuevas dudas sobre lo idoneidad de una etiqueta que cada vez más músicos si no rechazan, al menos deciden que no se ajusta a sus reglas.
Edition Records: Donny McCaslin (saxo tenor, flauta), Jason Lindner(sintetizadores), Tim Lefebvre (bajo), Mark Guiliana (batería)
Linda May Han Oh – The Glass Hours
Linda May Han Oh, una de las bajistas y compositoras más destacadas de los últimos años, presenta en “The Glass Hours” su nuevo quinteto.
Oh nos regala un conjunto de piezas inspiradas en temas abstractos como la fragilidad del tiempo y la vida, paradojas y elecciones, y los problemas sociales de nuestro mundo. “The Glass Hours” tiene esa cualidad aventurera que siempre encontramos en su discografía, en la que da margen a la exploración colectiva y “manga ancha” a la improvisación.
La melodía serpenteante y compleja de “Circles” destaca con la voz de la portuguesa Sara Serpa, mientras el saxofonista Mark Turner se une a la fiesta. Los sonidos se despliegan dentro de una estructura organizada, y tanto el pianista Fabian Almazan como Turner se turnan para hacer improvisaciones antes de que desate un valiente solo de contrabajo.
En “Antiquity”, nos introducen con un ritmo rubato por el bajo y el piano antes de deslizarnos en un compás de 7/4. Esta pieza nos habla del peso del pasado, mientras que “Chimera”, que adopta la forma de un sensual baile, va mutando por el camino. Un ritmo ágil toma el protagonismo, creando un sustrato melancólico que más tarde se adorna con unos elegantes toques electrónicos.
Estas inclinaciones vanguardistas a menudo nos llevan a territorios desconocidos, como en “Phosphorous”, donde nos sorprenden con un enérgico ritmo de rock progresivo. El baterista Obed Calvaire, quien ya había trabajado con Oh en su álbum debut “Entry” (CD Baby, 2009), se sincroniza a la perfección con la bajista para darle un toque funk, mientras apoyan voces etéreas sin palabras y cortes cruzados de saxofón.
En “The Glass Hours”, la canción principal, nos llena con sus ciclos métricos desafiantes que suben y bajan periódicamente. Aquí es donde Serpa se luce al máximo, y Turner y Almazan aprovechan para improvisar sin límites. De manera temáticamente opuesta, “The Other Side” es una meditación sobre la vida después de la muerte. En definitiva, “The Glass Hours” es un trabajo maduro que posiciona a Linda May Han Oh a la vanguardia de la creatividad musical y el jazz de vanguardia.
Biophilia Records: Linda May Han Oh (bajo y voz) Mark Turner (saxo tenor) Sara Serpa (voz) Fabian Almazan (piano) Obed Calvaire (batería)
Alejandro Sanz Fraile
Danilo Bustamante
Itziar Yagüe
Javi Ariola
MedusaJazz
Mr. Vértigo
Raquel Rodríguez
Rudy