Pocas decisiones resultan tan desafortunadas para el bolsillo, que quedar con unos amigos con el sano propósito de escoger un disco que regalar a un tercero por su cumpleaños. Más aún cuando el tiempo no apremia y todos los implicados pueden dedicar la tarde entera (si quisieran) en brujulear entre los miles de LPs que se acumulan de forma un tanto caótica en la tienda.

El resultado, no por previsible menos inesperado, es que junto al disco que finalmente será escogido como obsequio para el homenajeado, se apilan a pie de caja otros cinco o seis más por cada una de las personas que han participado en esta “caza al tesoro”, de una forma más o menos “desinteresada”.

La sensación de sentirse culpable por haber gastado de más no dura sin embargo más que uno o dos minutos. El tiempo que desde la tienda se llega al bar, se piden unas cervezas, se echan unas risas y se comenta la jugada.

Nduduzo Makhathini – The Myth We Choose

En The Myth We Choose, Nduduzo Makhathini vuelve a entender el jazz como algo más que una forma musical: un espacio donde memoria, espiritualidad y comunidad pueden encontrarse. El pianista sudafricano parte de una pregunta ambiciosa: ¿qué canciones conservará el futuro para explicar nuestro presente? Como respuesta, escoge y reinterpreta una serie de temas en los que establece con Coltrane, McCoy Tyner, Abdullah Ibrahim o Bheki Mseleku.

Este ejercicio, ya presente en otros discos del pianista, se renueva en esta ocasión al observar la amplitud de su paleta. Coproducido junto a su hijo Thingo Makhathini, el álbum incorpora electrónica, programación, neo-soul y una presencia vocal mucho mayor. Canciones como “Tethered”, “Ḽiṅwalo ḽa Mubebi” o “What People Say” acercan su música a estructuras populares, mientras que las colaboraciones de Shabaka, Black Coffee o Robin Fassie amplían un universo que sigue profundamente anclado en el jazz sudafricano.

El resultado es uno de sus discos más accesibles, pero también uno de los más complejos en sus intenciones. The Myth We Choose habla del amor, el perdón, la paternidad, la conciencia colectiva y la responsabilidad de crear hoy las historias que heredarán quienes vengan después. Puede resultar solemne, incluso abrumador en algunos momentos, pero Makhathini sostiene esa ambición con emoción, personalidad y una música que no pide ser admirada desde la distancia: exige participación, lo que acaba plasmándose en un conjunto de composiciones tan variado como en ocasiones, irregular.

Daniel García – The Hero’s Journey

Daniel García Diego se confirma con The Hero’s Journey como uno de los pianistas más destacados del panorama español actual, uno de los pocos capaces de encajar con naturalidad en un sello como ACT, donde conviven tradición, riesgo y una cierta idea de modernidad europea del jazz. Su trayectoria no solo se sostiene por su propio proyecto, sino también por su versatilidad como acompañante, donde ha brillado junto a músicos como Dhafer Youssef.

En este trabajo deja atrás el formato de trío que ha marcado buena parte de su carrera reciente y se coloca solo frente al piano. Aunque el piano es el centro absoluto, alrededor surgen palmas, voces, violines procesados y pequeñas capas electrónicas, todas generadas por el propio músico y que funcionan como extensión del instrumento, como si el sonido se desplegara en distintas direcciones.

Llama la atención una forma de tocar que llena el espacio con una naturalidad poco común, con una densidad sonora que no depende de la acumulación, sino de la inteligencia del fraseo y del uso del silencio. A ello se suma una cualidad especialmente atractiva: su sonido se aleja del arquetipo del pianista español más ligado a lo rítmico o lo flamenco en sentido estricto, y se acerca más a una sensibilidad europea, más abierta, más atmosférica.

El disco toma como referencia el “viaje del héroe” de Joseph Campbell y organiza su recorrido en distintas etapas. Cada una adopta un carácter propio: la apertura luminosa de “Life in a Crystal Bottle”, la tensión de “The Ordeal” o el cierre de “The Resurrection”, donde se insinúa una forma de regreso transformado.

Alabaster Deplume – Children of Our Children, I Knew: Epilogue

Alabaster DePlume es una de las figuras más singulares del jazz británico contemporáneo. Saxofonista, poeta y activista, ha construido una trayectoria que se mueve entre la improvisación libre y la canción, siempre con un fuerte componente ético.

En Dear Children of Our Children, I Knew: Epilogue, Alabaster DePlume prolonga el mundo de A Blade Because A Blade Is Whole desde un lugar más abierto e inmediato. El EP se grabó durante una pausa de su gira estadounidense de marzo de 2025. Recoge la conexión lograda en directo junto al bajista Shahzad Ismaily y el batería Tcheser Holmes.

El formato de trío favorece una interpretación libre y orgánica. Las piezas avanzan sin prisa. El saxo de DePlume respira con naturalidad. La música mantiene la fragilidad y el lirismo habituales del británico, pero gana urgencia. Cada silencio parece atravesado por algo que quiere decirse, aunque no encuentre palabras. En su sonido, pese a ser un artista británico, aparecen ecos muy claros de Oriente Próximo: no como una apropiación estilística ni como una recreación folclórica, sino como una atmósfera emocional y tímbrica que impregna su forma de frasear y de construir el espacio sonoro, sin llegar nunca a sonar “típico” o reconocible dentro de una tradición regional concreta.

Esa tensión se relaciona con su vínculo con Palestina. El EP incluye grabaciones de campo y sonidos de niños y de la vida cotidiana en Cisjordania, que sirven como recordatorio de vidas concretas detrás de la violencia y los titulares. La portada, basada en el dibujo de un niño de trece años de Gaza, refuerza esa idea de memoria frágil que necesita ser preservada.

SML – Spontaneous Music Live

SML muestra en Spontaneus Music Live el reverso de los dos álbumes que han definido hasta ahora su identidad. Tanto SMALL MEDIUM LARGE como HOW YOU BEEN partían de improvisaciones extensas que después eran recortadas, reorganizadas y pulidas hasta convertirse en una música compacta, precisa y casi imposible de separar de su proceso de producción. Aquí, en cambio, el quinteto elimina esa segunda fase y presenta dos largas piezas sin editar, grabadas durante su residencia de diciembre de 2025 en el Zebulon de Los Ángeles.

El resultado permite escuchar cómo Anna Butterss, Jeremiah Chiu, Josh Johnson, Booker Stardrum y Gregory Uhlmann construyen su música antes de que intervenga el montaje. Las piezas avanzan mediante acumulaciones, repeticiones, pequeñas mutaciones y cambios de dirección que no responden a una estructura previa. Hay momentos de deriva, tensión y aparente suspensión, pero también instantes en los que el grupo encuentra de repente una figura rítmica o una textura que podría convertirse en el núcleo de una futura composición.

La grabación analógica de Bryce Gonzales conserva la fisicidad de la sala y refuerza el carácter hipnótico del conjunto. Más que la versión inacabada de sus discos de estudio, Spontaneous Music Live revela otra personalidad de SML: menos concentrada, más expansiva y cercana a la tradición de grupos como Can o al Miles Davis eléctrico, donde la improvisación colectiva se convierte en un proceso de búsqueda sostenido en el tiempo.