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Chocs and Chops: los discos de jazz de mayo (2022)

En el centenario de Charles Mingus, no podíamos empezar de otra forma que recomendado su última grabación hasta el momento: «The Lost Album From Ronnie Scott’s». ¿Es el mejor disco en directo de Mingus? Os adelantamos que no. ¿Merece la pena? ¡Oh yeah! Y así entramos directamente en los que son nuestros «Chocs and Chops» de mayo, una selección de los discos que más nos han gustado en el último mes y que pasamos a recomendaros.

Además de lo último de Mingus os traemos una más que interesante selección de lanzamientos nacionales, con nuevos discos a cargo de Raynald Colom, Manel Fortiá y Liba Villavecchia; pero también y como siempre hacemos, algunos de esos discos de la escena internacional que no os podéis perder, comenzando por Tigran Hamasyan, pasando por Melody Gardot y acabando en Mary Halvorson.

Como suele pasar en toda selección, también este mes nos hemos dejado álbumes estupendos que se merecen nuestros dieces…y por supuesto si queréis recomendarnos vosotros los que más os han gustado, estaremos encantados de leeros en los comentarios. ¡Comenzamos!

Charles Mingus – The Lost Album From Ronnie Scott’s

Puntuación: 3.5 de 5.

En agosto de 1972, el sexteto de Charles Mingus, se comprometió a una residencia de dos semanas en el legendario club londinense Ronnie Scott’s. Ahora, cincuenta años más tarde y coincidiendo con el centenario de su nacimiento, Resonance Records nos trae de vuelta lo que fueron unas de las sesiones más interesantes contrabajista.

A diferencia de otros lanzamientos de este tipo, en este caso no hablamos de una viejas cintas que se han encontrado «por casualidad» después de años investigando. En realidad, hablamos de un concierto que estaba planificado para lanzarse en su momento, pero que tras el abandono que hizo Columbia de muchos de sus artistas de jazz, nunca se llegó a publicar.

Con la ayuda de Sue Mingus y su Jazz WorkShop, este triple LP (también CD) ofrece a los aficionados una muy curiosa combinación de clásicos de los años 50, desarrollos de piezas introspectivas para piano de mediados de los 60 y nuevas composiciones en proceso que se trabajan en directo. Además del propio Mingus, encontramos a Jon Faddis (trompeta), Charles McPherson (saxo alto), Bobby Jones (saxo tenor y clarinete), John Rusell Foster (piano, voz) y Roy Brooks (percusión).

Es un disco, merece la pena destacar que hay que valorar especialmente por la capacidad que tenía Mingus de improvisar y explorar nuevos territorios en directo, más que como testimonio de su carrera…por lo que tal vez no sea el mejor sitio por el que empezar para aquellos que no estén ya familiarizados con el enorme trabajo del artista.

Raynald Colom – A Million Dreams

Puntuación: 4 de 5.

Tremendamente sugerente y sugestivo. De matices impresionistas, con notas que se pierden en el espacio…y en el tiempo. De esta forma tan etérea (como etérea es la portada del álbum), el trompetista Raynald Colom nos presente «A Million Dreams» su nuevo álbum en directo.

Grabado junto al pianista Tony Tixier, Joe Sanders al contrabajo y Francesco Ciniglio a la batería, este es un disco que se disfruta sorbo a sorbo y en el que todo cuenta: tanto lo que está, como lo que se queda fuera.

«A Million Dreams» documenta una experiencia en vivo verdaderamente mágica, transportando a los oyentes a la ciudad italiana de Pontinia, donde se grabó el álbum. Colom adopta un enfoque fluido de su oficio, prefiriendo dejarse guiar por la música y el entorno que le rodea…permitiendo que sea la música la que le empuje a direcciones nuevas.

Tigran Hamasyan – StandArt

Puntuación: 4.5 de 5.

Tigran Hamasyan ha hecho muchos méritos para convertirse en uno de nuestros pianistas de cabecera. El armenio lleva años demostrando que la fusión de folklore y jazz es lo mejor que le ha pasado a este género musical en las últimas décadas. En «StandArt» sin embargo navega hacia un registro diferente al que estábamos acostumbrados y nos entrega su primer disco de standards.

Su nuevo álbum incluye temas de los años 20 a los 50 y versiona a artistas como Richard Rodgers, Charlie Parker, Jerome Kern, o David Raksin. También incluye una pieza que Hamasyan improvisó con sus compañeros de banda (el bajista Matt Brewer y el baterista Justin Brown) y el trompetista Ambrose Akinmusire, que aparece en dos de los temas del álbum. Otros invitados especiales son los saxofonistas Joshua Redman y Mark Turner. Una auténtica maravilla.

Flora Purim – If You Will

Puntuación: 3.5 de 5.

Flora Purim, una de las grandes del jazz fusión brasileño de todos los tiempo regresa con su primer álbum de estudio en más de 15 años: «If You Will».

Concebido como un homenaje a lo que ha sido lo mejor de su carrera, el álbum explora nuevas composiciones junto a nuevas versiones de las canciones favoritas la cantante. Grabado entre Curitiba y Sao Paulo, «If You Will» reúne a muchos de los músicos del círculo más cercano de Flora, como Airto Moreira, el guitarrista José Neto, su hija Diana Purim en la voz o el percusionista Celso Alberti.

Además de su célebre colaboración con Airto y sus primeros días con el Quarteto Novo, Flora ha trabajado con Stan Getz, Gil Evans, Miriam Makeba, George Duke, Chick Corea (como miembro original de Return To Forever), la United Nation Orchestra de Dizzy Gillespie, el grupo uruguayo Opa y muchos más.

Melody Gardot – Entre Eux Deux

Puntuación: 4.5 de 5.

Suelo pensar que ha llegado el verano cuando Melody Gardot publica un nuevo álbum. Este año sin embargo se ha adelantado unas semanas y ya este mes de mayo, hemos podido disfrutar de «Entre Eux Deux», un disco que graba a dúo junto al pianista Philippe Powell.

El disco recoge el testigo de su exitoso «Sunset in the Blue» (2021) y vuelve a apostar por ese enfoque tan intimista que tan bien le funcionó en la pandemia. «Entre Eux Deux» es el primer álbum grabado a dúo para la artista y el primero en el que renuncia a tocar el piano para centrarse exclusivamente en cantar.

La combinación de Powell y Gardot hace que muchas de las canciones suenen como si hubieran salido directamente del Great American Songbook, con la excepción de que estos «nuevos estándares» ofrecen un guiño gershwiniano a lo que podría denominarse el «Gran Cancionero Francés», ya que varios de los temas están interpretados en el idioma galo.

Mary Halvorson – «Amaryllis & Belladonna»

Puntuación: 5 de 5.

Mary Halvorson es una de las mayores fuerzas creativas de la actualidad y este «Amaryllis» (que se complementa con el «Belladonna» publicado de forma simultánea) lo demuestra de forma más que sobrada.

«Amaryllis», la primera parte de este trabajo monumental, es una suite de seis canciones interpretadas por un sexteto formado por maestros de la improvisación, que incluye a Halvorson, Patricia Brennan (vibráfono), Nick Dunston (bajo), Tomas Fujiwara (batería), Jacob Garchik (trombón) y Adam O’Farrill (trompeta).

A estos se les une el cuarteto de cuerda Mivos en tres de los temas, lo que hace que este sea el mayor conjunto para el que Halvorson ha escrito hasta la fecha. La suite muestra las numerosas influencias musicales de Halvorson, desde el jazz hasta la música experimental, pasando por la nuevas formas. Sin duda, entre lo mejor que se ha publicado este año.

Manel Fortiá – Despertar

Puntuación: 4 de 5.

El contrabajista catalán Manel Fortià muestra todo su talento compositivo e interpretativo en su nuevo álbum en trío «Despertar» un reflejo equilibrado de dos tradiciones: sus raíces mediterráneas y españolas con los ritmos del jazz moderno de Nueva York.

Curtido en mil batallas, este es sin embargo la primera vez que Fortiá graba un disco completo como líder y en que todas sus composiciones son originales. Al piano le acompaña Marco Mezquida, mientras que en la percusión nos encontramos con Raphaël Pannier.

El título español «Despertar» hace referencia a la última melodía del álbum. Por el contrario, el primero se llama «Dormir». Es fácil deducir que entre estas pistas estamos dentro en un sueño que sucede en Nueva York a través de experiencias, viajando a diferentes lugares y momentos de una forma muy imaginativa que trae consigo la cultura mediterránea.

John Scofield – John Scofield

Puntuación: 3 de 5.

La primera grabación de John Scofield de un solo de guitarra ofrece un resumen de todas las influencias y lenguajes que ha cultivado a lo largo de su carrera como guitarrista.

Además del jazz, se sabe que John siempre ha tenido debilidad por el rock and roll y la música country con los que creció, lo que se revela aquí en algunas interpretaciones como «Not Fade Away» de Buddy Holly y «You Win Again» de Hank Williams.

Entre elegantes y personales lecturas de estándares, como «It Could Happen To You», la tradicional «Danny Boy» y «Coral» de Keith Jarret, Scofield presenta sus propias composiciones atemporales, algunas nuevas, otras conocidas. Un álbum que desde luego encontrará un lugar propio en las estanterías de sus fans pero que no acaba de aportar nada de especialmente novedoso a su estupenda carrera.

Samora Pinderhughes – «Grief»

Puntuación: 5 de 5.

Samora Pinderhughes es uno de los fenómenos del año: compositor, pianista, vocalista, cineasta y artista multidisciplinar, es conocido por utilizar su música para examinar cuestiones sociopolíticas y luchar por el cambio, trabajando para ello en la tradición de los surrealistas negros, aquellos que inclinan la palabra, el sonido y la imagen hacia las causas de la revolución.

Pinderhughes ha colaborado con muchos artistas de distintos ámbitos y escenarios, como Herbie Hancock, Common, Glenn Ligon, Sara Bareilles, Daveed Diggs, Titus Kaphar y Lalah Hathaway. Trabaja frecuentemente con Common en composiciones para música y cine, y aparece como compositor, letrista, vocalista y pianista en los nuevos álbumes August Greene y Let Love con Common, Robert Glasper y Karriem Riggins.

«Grief» es uno de los tres componentes del Healing Project (Proyecto de curación), un proyecto de un año de duración basado en unas 100 entrevistas que Pinderhughes realizó a personas de color que habían sido encarceladas o habían sufrido alguna forma de «violencia estructural». El resultado es un caleidoscopio musical en el que se mezcla música, rabia, gritos, jazz clásico, distorsión o cuartetos de cuerdas. Una experiencia que no se puede olvidar.

Liba Villavecchia Trío: «Zaidín»

Puntuación: 4 de 5.

Hablar de Liba Villavecchia es hacerlo de un artista que lo ha sido prácticamente todo en el mundo de la música, el jazz y la improvisación libre. Representante de la música de vanguardia catalana desde los años 70 y profesor de improvisación en la escuela ESMUC de Barcelona durante más de 15 años, es uno de los grandes nombres que todos debemos anotar cuando pensamos en lo que son las vanguardias en España.

Con más de 50 discos como líder a sus espaldas y todo tipo de colaboraciones, ahora regresa con «Zaidín» un disco inspirado en el jazz de vanguardia del Nueva York de los años 90 y en el que se presenta a trío junto al portugués Vasco Trilla a la batería y el catalán Alex Reviriego al contrabajo.

Publicado el pasado mes de marzo por Clean Feed Records, presentan según sus propias palabras una música «compuesta con la intención de intentar transformar, aunque sea un poco, el alma y el corazón de las personas, porque la música que sale del corazón tiene esa capacidad y esa fuerza»

«Zaidín» es un trabajo que rinde tributo a algunos de los maestros del free como Ornette Coleman, pero que va más allá apostando por una selección de sus propias composiciones (con homenaje incluido al cineasta Andréj Tarkovski), un par de improvisaciones grupales y una versión de un tema Thomas Chapin.

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Rudy de Juana es periodista tecnológico y apasionado por el jazz. También podéis seguirme en MuyComputerPro.com y en rodolfodejuana.com

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