Chocs and Chops: los discos de jazz de mayo (2023)

Se nos acumula el trabajo y nos cuesta seguir el ritmo de estupendos discos de jazz que nos llegan en 2023. Tal vez por eso, los que seguís con atención nuestras reseñas, descubriréis que pocos bajan de unas cuatro estrellas que en todo caso están marcados por nuestra descarada subjetividad.

Pero vamos al grano. Comenzamos nuestros «Chocs and Chops» de mayo con la vuelta de Artemis ese estupendo grupo formado tan solo por mujeres; y seguimos con las novedades de otras dos artistas inclasificables: Gretchen Parlato y Joëlle Leandre. En el terreno latino nos quitamos el sombrero con Emilio Solla y Antonio Lizana, por no decir con el Iroko de Avishai Cohen. Pero hay mucho más. ¡No os lo perdáis!

Artemis – In real time

Tres años después del lanzamiento en 2020 del álbum debut homónimo de Artemis, el super grupo femenino regresa con «In Real Time», una «segunda parte» que resalta tanto la fuerza improvisativa de sus miembros como sus habilidades como compositoras.

Artemis se presenta además con una nueva formación, tras la salida de miembros como Melissa Aldana o Anat Cohen y mantiene a Renee Rosnes, la trompetista Ingrid Jensen, la bajista Noriko Ueda y la baterista Allison Miller, estando acompañadas en esta ocasión por Nicole Glover en el saxo tenor y Alexa Tarantino en el alto, soprano y flauta.

Con un grado de madurez que no acabamos de encontrar en su disco de debut, aquí nos presentan ocho temas que esta vez sí, están a la altura de la calidad que se presupone a las integrantes de un grupo que ha demostrado ser más que la suma de sus miembros. Comienzan con «Slink» de Lyle Mays, donde el imparable y preciso trabajo de bajo de Ueda crea polifonía y un cierto subfondo rítmico. El arreglo en capas de Rosnes muestra ingenio, y ella misma se embarca en un deslumbrante solo de piano.

«Bow and Arrow» de Miller es un puro y sofisticado post-bop con una inclinación modal y una perceptible latinización en el conjunto de la pieza. La versátil baterista mantiene la melodía enraizada, ampliando su habilidad durante el vamp que sigue a las improvisaciones de trompeta y saxofón. «Lights Away From Home», compuesta por Ueda, swingea con una vibra al estilo de Lee Morgan en la melodía. Esta pieza fue inspirada por una lluvia de meteoritos observada en el norte de Nueva York. Con una sensación completamente distinta, «Timber» de Jensen en compás irregular nace del amor por los árboles, pero también de las preocupaciones sobre lo que está sucediendo en nuestros bosques.

El álbum incluye además el primer tema del disco «Life on Earth» de Rosnes en 2001, «Empress Afternoon». Es un número caprichoso con toques orientales y latinos que exige el máximo del grupo. Finalmente, el sexteto concluye en modo de vals con «Penelope», un tributo a Wayne Shorter, autor original del tema.

Blue Note: Renee Rosnes (piano), Ingrid Jensen (trompeta), Noriko Ueda (bajo), Allison Miller (batería), Nicole Glover (saxo temor) Alexa Tarantino (saxo alto, soprano y flauta). Comprar en Amazon

Emilio Solla Quartet ft. Antonio Lizana – El siempre mar

El pianista argentino Emilio Solla, al que entrevistamos hace poco más de un año en Caravan y que ha sido reconocido internacionalmente por su fusión de tango y folclore con el jazz lanza “El siempre mar” un álbum que en compañía del cantante y saxo español Antonio Lizana, versiona clásicos argentinos en un disco en el que flamenco y jazz van de la mano, y al que se suman algunos temas originales del propio Solla.

Ese enfoque se muestra en cortes como “El arriero” que abre el disco como una canción puramente criolla sobre unas bulerías al golpe flamencas, combinando ritmos de batería inspirados en el huayno andino con el bajo y el piano en una clave de milonga.

El resultado de este y casi todo los temas que siguen, es un cruce de lenguajes musicales que, como afirma Solla en el libreto, “a pesar de estar separados por un océano, se han retroalimentado durante más de cien años a través de los cantes de ida y vuelta”.

Acompañando a Solla y Lizana, encontramos a destacados músicos como el contrabajista peruano Jorge Roeder y el baterista y percusionista húngaro Ferenc Nemeth. Además, el álbum cuenta con invitados especiales como la cantante Roxana Amed y un cuarteto de cuerdas argentino compuesto por Patricio Villarejo, Javier Weintraub, Cecilia García y Javier Portero.

En definitiva, este disco es un testimonio del profundo vínculo entre España y Argentina, rescatando melodías de la infancia de Solla y su fascinación por el jazz, que siempre abre el camino a la improvisación. Con una sólida trayectoria y un Latin Grammy en su haber, Solla sigue demostrando su talento y su capacidad para explorar nuevas sonoridades.

Auto: Emilio Solla (piano), Antonio Lizana (vocals & saxophones), Jorge Roeder (bajo), Ferenc Nemeth (batería y percusión), Roxana Amed (voz) Javier Weintraub, Cecilia García, Javier Portero y Patricio Villarejo (cuerdas)

Avishai Cohen – Iroko

«Iroko», el nuevo disco del bajista Avishai Cohen en colaboración con el conguero-vocalista Abraham Rodríguez, representa una exploración de la música latina desde una nueva perspectiva. El título del álbum hace referencia a la tradición yoruba, donde «Iroko» es un símbolo complicado que representa un trol que habita en las ramas superiores de un árbol llamado «el trono de dios». Se dice que hay que protegerse de este trol para evitar que baje a la tierra y cause estragos.

En este disco, Cohen y Rodríguez fusionan melodías, ritmos y calidez, incorporando profundas raíces en la religión esotérica y la canción popular que nacen tanto del interés de Cohen por el mundo mágico como por la fascinación por la santería de Abi, una de las figuras del jazz latino más destacadas de la gran manzana.

«Iroko» incluye referencias a los orishas yoruba, que se entrelazan con versiones de canciones como «It’s a Man’s World» de James Brown, el tema ganador del Oscar «Theme to Exodus» de la película «Éxodo» y el icónico «Fly Me To the Moon» popularizado por Frank Sinatra. El álbum se basa en los ritmos propulsivos de la clave, que son una característica fundamental de la música afrocaribeña, incluido el jazz. La percusión de Rodríguez se sincroniza con los patrones de bajo de Cohen, y en algunos temas, ambos artistas fusionan sus voces.

Según Cohen, «Iroko» representa su sueño de llevar a cabo un proyecto latino con sus músicos latinos favoritos de Nueva York. El disco es solo el comienzo, ya que próximamente presentarán la banda en París, con músicos como el baterista Horacio «El Negro» Hernández, el trompetista Diego Urcola, el percusionista Jose Angel, el saxofonista Yosvany Terry y la cantante española Virginia Alves.

Avishai estudió jazz en la New School y en la Mannes School of Music, eligiendo como profesor a Andy González, el bajista más activo de la escena latina. Abi conocía Andy y a su hermano el trompetista y conguero Jerry González de los círculos de percusión en los que se movía cuando era un crío. Eran los miembros principales de Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorquino (en el que tocaba Abi) y de la Fort Apache Band, más conocida por latinizar las composiciones de Thelonious Monk. Así que en cierta medida, «Iroko» también está dedicado a los hermanos González, ya fallecidos, como un gesto al movimiento de salsa y jazz que cuenta entre sus estrellas a Machito y Dizzy Gillespie, Mongo Santamaría, Ray Barretto y Eddie Palmieri

La colaboración entre Cohen y Abraham Rodríguez comenzó en 1993 cuando trabajaron juntos en la banda del pianista Ray Santiago en el Lower East Side de Manhattan. Desde entonces, han compartido escenario en numerosos conciertos y su conexión musical perdura hasta el día de hoy.

RadDaz: Avishai Cohen (bajo), Abraham Rodríguez (percusión, voz). Comprar en Amazon.

Gretchen Parlato ft. Lionel Loueke – Lean In

«Lean In» es un álbum musicalmente enriquecedor que surge de la colaboración entre Gretchen Parlato y Lionel Loueke, dos talentosos artistas que se conocieron durante sus estudios en el Instituto de Jazz Thelonious Monk en la Universidad de California. Desde entonces, han desarrollado una química artística especial que se refleja en su música. El álbum presenta una fusión única de estilos y géneros, desde la influencia de la música brasileña de los años 60 y 70 hasta los sonidos tradicionales de Benin, África Occidental, y las exploraciones contemporáneas del R&B y el pop.

Las canciones de «Lean In» capturan la esencia de las experiencias compartidas por Parlato y Loueke a lo largo de su viaje musical. El álbum incluye interpretaciones sinceras y conmovedoras, así como composiciones originales que reflejan los altibajos de la vida y la importancia de mantener la esperanza y la conexión humana en tiempos difíciles. Las letras, cantadas en inglés, portugués y Fon (idioma indígena de Benin), añaden una dimensión adicional a la experiencia auditiva, ofreciendo una visión multicultural y universal.

La producción de «Lean In» fue un proceso colaborativo y fluido, con Parlato y Loueke intercambiando ideas de canciones a través de Internet antes de reunirse en un estudio en Los Ángeles para completar el álbum con la participación de músicos talentosos. El resultado es un trabajo musicalmente sofisticado y conmovedor que trasciende las barreras culturales y lingüísticas.

La canción de apertura del álbum, «Akwê», comienza con Loueke y Parlato cantando una melodía alegre y sincopada al unísono, antes de que Loueke enriquezca la melodía con progresiones familiares presentes en la música tradicional de África Occidental y la acompañe con su sorprendente percusión bucal. La sublime reinterpretación de Parlato del éxito de 1984, «I Miss You», de la banda de funk de los años 80, Klymaxx, sigue a continuación, siendo una de las canciones favoritas de la vocalista.

Originalmente escrita por Parlato para un proyecto encargado por The Jazz Gallery como parte de su Programa de Becas en 2019, la letra de «If I Knew» juega con diversas oposiciones de conceptos sobre una contagiosa pista de baile de afrobeat, a la que siguen un trío de cautivadores interludios, «Okagbé», «Mi Wa Sé» y «Dou Wé», se tejen a través del álbum como paisajes sonoros envolventes, siendo los dos últimos basados en improvisaciones instrumentales de Loueke, Mark Giuliana (marido de Parlato) y Travis (hijo de ambos). «Painful Joy» es una hermosa y conmovedora pieza en la que Parlato y Loueke interpretan una melodía encantadora al unísono, con la armonía moviéndose a través de terceras menores y el álbum se cierra con «Walking After You», la composición de Dave Grohl del álbum de 1997 de The Foo Fighters, «The Colour and the Shape».

Edition Records: Gretchen Parlato (voz), Lionel Loueke (guitarra), Mark Giuliana (batería). Comprar en Amazon

Joëlle Leandre – Zúrich Concert

Joëlle Léandre es una leyenda viva. Es casi imposible enumerar a todos los grandes artistas de la música improvisada con los que Léandre ha tenido la oportunidad de tocar a lo largo de su carrera, y que de alguna forma “deja atrás” en un disco completamente en solitario con el contrabajo como único protagonista.

Con raíces en el sur de Francia, Leándre estudió música clásica antes de formarse y actuar en Estados Unidos. Encontró su voz en la música contemporánea y se vio influenciada por John Cage y Giacinto Scelsi. Sus compañeros se convirtieron en improvisadores de la talla de Derek Bailey, Barre Phillips, Anthony Braxton, o Peter Kowald y más recientemente, se puede escuchar su trabajo en el excelente Tiger Trio junto a Myra Melford y Nicole Mitchell.

Encontramos en este concierto a una Leandre en su mejor momento, uno que evidencia la calidad de una artista tan única, capaz de pasar del dramatismo trágico a la sensualidad lírica sin despeinarse. Cuando canta, su instrumento parece desvanecerse en un segundo plano y durante todo el álbum, más que un instrumento el contrabajo se convierte en una caja de resonancia para todas las emociones, experiencias o tensiones que nacen de una artista perfectamente en armonía con su instrumento. Un viaje en el que dejarse llevar por las emociones y aparcar durante una hora cualquier traza de «intelectualidad».

Intakt Records: Joëlle Leander (contrabajo y voz). Comprar en Amazon

Mark Guliana – Mischief

«Mischief» el nuevo lanzamiento de de Mark Guiliana, surge de las sesiones que dieron vida a su «The Sound of Listening» publicado en 2022. Y sí, su sonido se percibe como una continuación del trabajo anterior, pero a la vez destaca por su fluidez y espontaneidad, fruto del trabajo de una banda consolidada durante ocho años.

De alguna forma, la música en «Mischief» es el anverso de “The Sound of Liestening” (personalmente, me gusta más) y como explicaba el propio Giuliana, transmite la espontaneidad y la conexión de unos músicos que hacen clic tocando en directo. No se engañen: aquí no encontramos las tomas que se han descartado del primer disco, sino toda una declaración artística nueva y original.

Su actuación transita en la intimidad de un club, viajando desde los vamps de «Jam Til End of the Tape» hasta la sensibilidad de «Audience American» o los pasajes más tradicionales de «When Day Turns Into Night». Junto a Giuliana encontramos a Chris Morrissey en el bajo, Shai Maestro en el piano y Jason Rigby en el saxofón tenor y la percusión.

Edition Records: Mark Giuliana (batería), Chris Morrissey (bajo) Shai Maestro (piano) Jason Rigby (saxo)

Fire! Orchestra – Echoes

Una década después del lanzamiento de su primer álbum, «Exit», Fire! Orchestra lanza «Echoes», su séptimo disco, un extenso trabajo que roza las dos horas. Fue grabado en el estudio Atlantis en Estocolmo en marzo de 2022 y en comparación con formaciones anteriores, que nunca habían superado los treinta músicos, esta edición de Fire! Orchestra cuenta con nada menos cuarenta y tres miembros.

Entre estos, encontramos a artistas recurrentes como la vocalista Mariam Wallentin, el trompetista Niklas Barnö, la saxofonista alto Anna Högberg, así como el saxofonista Mats Gustafsson, el bajista Johan Berthling y el baterista Andreas Werliin; siendo estos tres últimos los que formaron la orquesta Fire! y que han compuesto la mayoría de la música de este álbum. Como en ocasiones anteriores, Berthling y Werliin mantienen una apuesta por sonidos eclécticos y que aquí se traducen en composiciones que contienen elementos del folk, jazz, rock, música clásica y contemporánea.

En el centro de «Echoes» se encuentra la propia pieza homónima, dividida en siete partes a lo largo del álbum. De las siete piezas, cuatro incluyen voces, creando una atmósfera cálida y cercana en su conjunto. De todas ellas, quizás la pista más sorprendente sea «ECHOES: I see your eye, part 2», que cuenta con la participación del recién llegado Joe McPhee en voz y saxofón tenor. El tema toma la forma de un divertido homenaje a un maestro del jazz fallecido y al que no se identifica en ningún momento. Al escucharlo, muchos podemos llegar a nuestras propias conclusiones sobre la posible identidad del homenajeado, pero lo cierto es que McPhee introduce suficientes distracciones como para hacerlo prácticamente imposible de identificar.

Un disco en definitiva que merece más de una escucha atenta, lleno de pequeños y grandes detalles y acontecimientos singulares que vamos ir descubriendo a medida que lo saboreamos.

Rune Gramoffon: Fire! Orchestra. Comprar en Amazon.

Arturo O’Farril – Legacies

En su último álbum, titulado «Legacies», el conocido compositor, arreglista y director orquestal Arturo O’Farrill se une a su hijo, el baterista Zack O’Farrill, y la bajista Liany Mateo para ofrecer una nueva interpretación de clásicos del jazz. El álbum incluye piezas emblemáticas como «Un Poco Loco» de Bud Powell, «Well, You Needn’t» de Thelonious Monk, «Dolphin Dance» de Herbie Hancock e incluso «Pure Emotion» de su padre, Chico O’Farrill.

El álbum se inicia con la icónica «Dolphin Dance» de Herbie Hancock, seguida de una destacada interpretación de «Well, You Needn’t» de Thelonious Monk, en la que Arturo O’Farrill muestra su virtuosismo. «Blue State Blues», una de las composiciones originales del disco es un número irreverente e intenso que resalta la tensión a lo largo de toda la pieza, destacando la impresionante habilidad de Zack O’Farrill en la batería.

El ambiente se torna más sereno con «Pure Emotion», una balada nostálgica compuesta por Chico O’Farrill. El trío muestra su talento y sensibilidad en este emotivo tema. «Obsesión» de Pedro Flores adquiere nuevos matices y a hermosa balada «Doxy» también es revisitada con profundo sentimiento por el trío. El álbum concluye con una enérgica interpretación del clásico de Powell.

Además de su trabajo como intérprete y líder de su propia banda, Arturo O’Farrill es reconocido por su labor como director de la Afro-Latin Jazz Orchestra, una de las agrupaciones más importantes en el ámbito del jazz latino. Bajo su dirección, la orquesta ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo múltiples premios Grammy.

Blue Note: Arturo O’Farrill (Piano), Liany Mateo (bajo) Zack O’Farrill (batería). Comprar en Amazon.

Billy Childs – The Winds of Change

Billy Childs se embarca en una nueva aventura musical con su álbum «The Winds Of Change». Alejándose de su enfoque reciente de composiciones en solitario, Childs vuelve con alegría al piano y abraza el mundo del jazz de combo. Inspirado en la estética del cine negro, se propone crear una colección de paisajes sonoros urbanos que capturan la naturaleza agridulce y siempre cambiante de ciudades como Nueva York y Los Ángeles.

«The Winds Of Change» exhibe la imaginación de Childs, que desafía una fácil categorización. Las composiciones del álbum no pueden ser desglosadas en componentes separados de manera sencilla, ya que exigen ser experimentadas en su conjunto, buscando además sumergir a los oyentes en la esencia cinematográfica de estos entornos urbanos y creando un viaje musical evocador. La propia canción principal exhibe de hecho una calidad cinematográfica, merecedora de dicho término si no hubiera sido diluido por su uso excesivo.

Colaborando con un grupo de improvisadores excepcionalmente talentosos, Childs aborda la música con una mentalidad orquestal, dando como resultado es una fusión de composiciones tan expansivas como contenidas en el lenguaje del jazz moderno.

En esencia, «The Winds Of Change» representa un cambio artístico significativo para Billy Childs. Sirve como un testimonio de su versatilidad como músico y compositor, ya que abraza con confianza nuevos territorios sonoros mientras mantiene su estilo distintivo.

Mack Avenue: Ambrose Akunmusire (trompeta) Billy Childs (piano) Scott Colley (bajo) Brian Blade (batería). Comprar en Amazon.

RYMDEN: RYMDEN + KORK

Bugge Wesseltoft es un reconocido pianista y productor noruego que ha dejado una marca indeleble desde principios de la década de 1990. Alejándose de la tradición del jazz nórdico asociado a ECM, fundó su propio sello, «Jazzland», y se aventuró a explorar un futuro para el jazz donde convergen formas clásicas con sonidos cercanos al deep house, el techno y el ambient. En 2003, su álbum «New Conception of Jazz» sorprendió a la escena europea y se convirtió en una clara influencia para toda una generación de músicos jóvenes.

El bajista Dan Berglund y el baterista Magnus Öström, junto con Esbjörn Svensson, formaron parte del trío europeo de jazz más internacionalmente reconocido: E.S.T. Su estilo se caracterizaba por una constante apuesta por la experimentación sonora, mostrando un gran interés en la tecnología, el uso de sintetizadores y otros equipos electrónicos.

No es sorprendente que tres músicos con una visión similar del jazz y que siempre han jugado en los límites, terminaran uniendo sus talentos para formar Rymden en 2018. Según explican en su página oficial, el proyecto se basa en tres elementos: «composición melancólica y atmosférica, ritmos cargados de dramatismo y jazz virtuosamente interpretado del más alto nivel».

En sus discos, como «Reflections and Odysseys» (2019) y «Space Sailors» (2021), encontramos elementos que dieron forma a E.S.T y a los sonidos asociados a Jazzland. Además de un jazz vanguardista, incorporan referencias a Bach, elementos de la cultura popular, música de cine, rock y electrónica.

En 2023, Rymden presenta su proyecto más ambicioso hasta la fecha, «RYMDEN + KORK», en colaboración con la Norwegian Broadcasting Orchestra. La combinación de una orquesta clásica con el sonido del trío noruego agrega un contraste aún mayor a su música, ofreciendo una paleta de texturas más amplia. En este álbum, se presentan nuevos arreglos para muchas de las canciones más conocidas del grupo, creando así una experiencia sonora diferente, alegre y desenfadada en ocasiones, profunda y seria en otras. Sin duda, este disco se perfila como uno de los más destacados del jazz europeo de este año.

Jazzland: Bugge Wesseltoft (piano) Dan Berglund (bajo), Magnus Öström (batería). Comprar en Amazon.